今回の名曲コンサートでは、私の聴き逃した先月（８月２日、NHK大阪ホール）の公演に引き続いて、オール・モーツァルトのプログラムが演奏された。その出来栄えは、あのコンサートを聴き逃したことを、私に強く後悔させるに足るものだったといえる。
この夜に先立って、全く同一のプログラムで行われた淡路島公演（9月８日）をお聴きになった座頭市太郎氏の批評には、中野振一郎のフォルテピアノ独奏による『ジュノーム』が、一番の聴き物だったとある。以下に詳しく記すように、演奏全体の持つコンセプトのユニークさ、表現の充実などの点において、当夜の公演（つまりこの日の昼を含めると三回目の公演）でもその点は同じだったので、この稿でもコンチェルトを中心に批評する。

曲目を順に追っていくと、第一曲目のセレナード第七番は「セレナータ・ノットゥルナ」という渾名をもち、またセレナードの中でも珍しい独奏グループを持つが、三楽章しかない愛らしい曲。
第一楽章マエストーソの冒頭から、指揮者である曽我大介自ら担当する独奏（この曲の編成では一台きりの）コントラバスと、コンサートマスター釋伸司をはじめとするソリスト達との上滑りがなく、味の濃い、音楽的な絡み合い。
こういったアンサンブルの良さも、他の在阪オケにはなかなか見る事の出来ないものだ。続く第二楽章メヌエットでは冒頭から、清々しくも美しい歌と、それを支える楽器群（特に特にトリオ部でのヴィオラ！）のすばらしさに魅せられ、終楽章では、あの、チェンバロカデンツァ後の、メヌエット主題が回帰するたびに挿入される、（下品に堕ちる手前の）ギャグ満載のカデンツァの連続に笑った。
こういったキャラクターは、最近のいずみ定期でのハイドンで、遺憾なく発揮されているものだ。
ところで私は最初、舞台に上がって来る楽団員の数を見て、この巨大なフェスティバルホールを、果たしてこの小編成で響かせることができるのだろうか・・・という危惧を抱いたものだったが、音楽が進むにつれ、そんなことすっかり忘れていた。
最高の席に陣取ったからかもしれないが、音量よりも音質が、やはりこの巨大なフェスティバルホールにおいても重要だったのだ。次の、コンチェルト（協奏曲第七番、『ジュノーム』）で使用されたフォルテピアノ（総木張りの美しい、１８２０年頃ウイーン製作のもので、世界的に有名な修復家、山本宣夫氏のコレクション。
堺のスペース・クリストフォーリでみることが出来る）が舞台に登場したときも私は、全く同じ様に不安を感じ、その不安は同じような理由から裏切られた。それも今度は、主として魔術のような中野振一郎の手によって、より鮮やかに、である。
彼の事を最早我々は、既に日本を代表する演奏家だなど考えるよりは、世界でも最高レベルである音楽家である、と見なす方がふさわしいだろう。
凄まじいテクニックを持ちながら、彼は些かもそれに安住して小心に陥ったり、研究成果を学究臭く誇示したりすることなく、真に創造的な演奏する。彼の前のめりに勢い込んでゆく、意表をつく音楽は、たとえば第一楽章において、アンサンブル全体に波乱を巻き起こし、彼によってオケは曳きずりまわされているような感じすら受けた。
しかしそのオーケストラも第二主題の再起部からは持ち直し、絶妙な伴奏振りを示し、第二楽章（短調の優美なアンダンティーノ）で更に本調子になる中野を支える。常識的な解釈を打ち崩し、ミスをすら音楽的な表現に変えてしまうころに、中野の真の偉大さがある。
このような破壊と創造の図式は、第三楽章：ロンド・プレスト（この速度記号が、これほど活きた例も珍しいだろう！）で再現され、より高く止揚されていく。
攻撃的で、伸縮するソロに再びオケは曳きずり回され乱されるものの、カデンツァに至る前の長調への回帰部分までには持ち直し、終にオケはあの、真っ赤な夕映えが徐々に暮れて行くような美しさをノンヴィブラートの透明な弦の上で明滅する管楽器の活躍によって現出させるに至る。
だがここで一つ、残念な苦言を呈したい。演奏者にではなく聴衆に、である。
このカデンツァへの導入部こそが、この夜の演奏会において最高の瞬間であった。にもかかわらず、この美的な瞬間に、ひとつ騒音が起こった。誰かの剥く飴玉の音である。この言語道断の所業は、どこでも実によく起きる事件だが、騒音の犯人氏は、時代考証に協力する必要はありません。確かにモーツァルトの生きたロココ時代には、飲食はおろかおしゃべりさえ許容されてはいましたが。音を立てるのなら、どうぞフォルテのときに。
（当たり前だが）演奏者たちはそれには気づかず、中野の奏する、ベートーベンを強く思起させるようなカデンツァ（中野の自作なのか、そうでないのか、不勉強の為私には定かではないのだが）は進んでいったが。その後もう一度、カデンツァまでの部分の繰り返される部分においても、中野がオケを引きずり、オケが持ち直す、という図式は変わらなかった。その振幅と、感動より一層大きくなって行ったことを除き。
ともかくそれは、コンチェルトの醍醐味を存分に味わせてくれる名演だった。もし彼に、例のインタビューをしているなら、「音楽監督の部屋」等でぜひ紹介していただきたいものだ。三回にわたる協演の間には、きっと色々なエピソードがあったに違いない。それは終曲後の、中野の楽団員へのあの感情のこもった挨拶を見ればわかることだ。
さて、このように素晴らしいコンチェルトを聴かされては、メインの交響曲『ジュピター』はさぞや、と期待したのだが、管弦の綾なす目の詰まった美しさ、より手堅い全体の造形等、確かに見るべきものはあったのだが、終楽章の大円団への布石たる三楽章の出来栄えに比すと、終楽章には疑問が残った。
特に再現部のフーガ（全音楽譜のポケットスコアで、練習番号F、272小節目辺り）以降の、この交響曲の、というより全西洋音楽の、最高の成果、頂点といってもよいフィナーレにおいては、シンフォニカー交響楽団の演奏は、曲の持つ境地に至るに及ばなかった。
その原因はいくつか考えられる。そしてここには幾つかの重要な問題が横たわっている。一つは、一日二回のマイナス面だろう。
もちろん二回公演には、真剣な演奏を一日二回も繰り返すのだから、より完成度が高まるという利点もあるだろう。しかし、この終楽章の持つ境地はどんな優れた演奏者でもなかなか手の出せないこの境地である。二回公演の疲労はこの場合、無視できないだろう。そのことは、一回きりだった淡路島公演においては、「四楽章が最も聴き応え豊か」であったという、座頭市太郎氏の証言によっても裏付けられるのではないだろうか。
もう一つは、文化、精神の成熟度の問題だろう。それは日本のオーケストラ、もしくは日本の演奏家すべてに共通する問題点である。この『ジュピター』という曲、モーツァルトという天才がその人生の終わりごろ、その作品群の中で撒き散らし続けたエスプリの結晶といえるこの曲には、クラシック音楽がその境地に至る為の、全ての条件基礎が含まれている。
この曲を素晴らしく演奏できる、ということは、即ちそれらを理解し、自らの血肉に消化し得たということに他ならないだろう。こういった文化の壁は、今でも存在するのではないだろうか。曽我大介とシンフォニカーが、それを乗り越え得るか否か。おそらくその条件は整いつつあるのではないだろうかとも思う。
と、大げさに結んだものの、『ジュピター』の楽曲解説までは息が持たず、手が回りませんでした。要するに良い演奏でした。
（文中、敬称略）

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